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2014年1月26日 (日)

事務系サスペンスの傑作!『神奈川芸術大学映像学科研究室』

『神奈川芸術大学映像学科研究室』於・新宿武蔵野館

  かつて、これほどまで、「事務仕事」がサスペンスフルに描かれることはあっただろうか、そして、それは決してデフォルメされたものではない。
  日常の出来事の延長線上でサスペンスは作りえるか、に挑戦している。ブラック・コメディと自称していてはいても、決してブラックでもコメディでもなく、限りなく、現実のリアクションに近いところで物語は進められる。大それたことを考えているか、隅にはあるか、無意識にはあっても意識してはいないかわからないが、つまりは社会全体がこうだ、の縮図のような、まるでひとつの物事が起きて、収束するまでの概略図のようである。
  ポイントは、一見、我慢ならないがゆえに行動する「若い職員」ふたりも、自身がきっかけかもしれない部分で物語が進んでいるところがあり、それゆえの後ろめたさをずっと引きずっているところである(そして、それは最後まで、当人以外に明かされることがない)。
  ひとの「正義」は、自分が犯してしまったかもしれない「罪」を上塗りしたいがための動機から始まるのかもしれない。もちろん、「罪」への思考を薦めるものではないにしても。ラストの「上塗り」は、その喩えでもあることよなあ。

  そして、安藤さんの仕事に真面目な理由はわからずに終わるが、これもささやかなる日々の上塗りなのか・・・

  パンフレット。主演3人のインタビュー。キャスト紹介は、かなり詳細。そして、プロの役者たちでしっかり固められた作品であることを確認。監督ロング・インタビュー。寄稿は大森一樹監督と、"映画文筆業"の那須千里氏。

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色と音の洪水。そして、幼い子供が鍵となる最酷なバイオレンス『オンリー・ゴッド』

『オンリー・ゴッド』
於・新宿バルト9

  色と音の洪水の映画だ。そして、多くのバイオレンス映画とおそらく異なるところは、幼い子供の使い方であり、ドンデン返しではないけれど、ラストは多くの作品とは異なる独自のメッセージを発する。
  全編を覆う、まるでクラブの中で全物語が展開しているかのような轟音のトランス的スコアがまず斬新。多くの無スコア物語と完全対照となる、実験のようでもある。轟音といえばSE的なもので『イレイザーヘッド』を思い出すが、あの「ノイズ」であることに自覚的な音と『オンリー・ゴッド』の音響効果は違う。そして、この映画の不気味な音楽のもうひとつが、おっさんが歌うカラオケだ。サントラでマルチネスのトランス以外に、現地のポップスらしきものが入っているな、とは思っていたが、こういうことだとはまさか思っていなかった。
  そして『ドライブ』の延長線上的に印象深かったのが、きっかけとしての「ドライブ・テクニック」からの「ファイト」。ファイトは、一見、この映画のキーワードと思いきや、それはきっかけのひとつに過ぎず、全体を覆うのは、寡黙な中でのバイオレンス全体である。
  タイというロケーションの印象はなんだろう。主人公たちと愛を交わすことはないが、多くの美しい女性たちが登場する。もちろん、アジアン・ビューティ的な美しさだが、ここも、この映画が東南アジアの都会が舞台である意味の一つではあろうと思う。背景としては、エロティックな筋立てもあるが、物語の表面に出ることはない。
  主人公たちが動く動機は複雑なものではないが、それを示すセリフは、極端に少ない。それによって、シンプルなバイオレンスながら、観客の声で「全然、筋がわからない」というのも聞こえてきた。
  カンヌなどで賞をとっていないのは、基本的に『ドライブ』の世界観の延長線上だからだろうと思う。

  レフンの「これで一旦、出し切った」感はわからなくもない。そして、これは、大手映画会社資本では作れない映画だろう、ということもよくわかる。

  パンフレットはシンプル。柳下毅一郎氏の作品論、監督インタビューはあるが、さほど突っ込まない。プロフィールは、キャストは3人のみ。スタッフは撮影・音楽・プロダクションデザインにまでは及ぶが、レフンがポイントと言及している編集スタッフは紹介なし。インタビューは、映画の「作り」に関して触れることはなく、撮影、照明、そして音楽といった点でのこだわりを聴くことはない。

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2014年1月18日 (土)

あの時代の娯楽人間ドラマならではの、甘酸っぱく青い「映画的なあまりに映画的な」『・ふ・た・り・ぼ・っ・ち・』

『・ふ・た・り・ぼ・っ・ち・』於・神保町シアター

 この物語の特異なところは、期せずしてふたりだけになった、のではなく、お見合いをしているため、意図的に初めにきっかけを作っている、ということだ。また、互いにいがみ合っているのではなく、女性の方が一方的に、自分の置かれた現在を認めまい、としている、ということで、男側には、それがない。
 サスペンスではない丸山昇一ワールド炸裂で、吉川映画でも見られた、見ようによってはアウトな、かっこのつけすぎ方が、この映画では「あえて、かっこつけすぎて、似合っていないですよ」感をキャラクターとして出しているので、この自然さと不自然さの記号として使われて(お茶漬けとカフェオレのように)、この記号化によって、複雑な心理のやりとりを90分の娯楽映画に、詰め込みすぎ感なく伝えられる、というのは、まあ、この映画のリアルタイムとして同時期人間だから、勝手に感じることなんでしょう。夜の公園の遠近感使いとか、もう「きたきたきたー」という感じになったし。
 この時代ならではのエレポップ・フュージョン的な切なさのスコアが『ユー・ガッタ・チャンス』と重なるが、音楽担当者は違う。プロデューサー、そしてスタッフが似ると、世界観もおのずと似るか。そして、既聴感が、愛のテーマ的スコアにあり。公開当時に見ていたか? 毎日ホールの邦画名画鑑賞会で見ていたか?記憶がないが・・・
 ところで、今になってみるとキャストがすみまで豪華だが、当時すでにゲスト出演的なもののはずですよね?

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2014年1月12日 (日)

病院ではしゃぐ子たちに幸福と焦燥を共に見る『鉄くず拾いの物語』

『鉄くず拾いの物語』於・新宿武蔵野館

 この映画の全体としての感想は、まず「物語とは何ぞや」ということ。予告編で、そのことがクローズアップされているため、ある「出来事」の前・中・後、とわけて考えがちだが、いや、待てよ、と。
 この映画の魅力は、もくもくとまきを割ったり、パイ生地をこねたり、病院の廊下で子供たちがはしゃぎまわったり、という、「日常」という単語の方にあてはまる事柄の方にあるのじゃないか、と思い返すのだ。
 まるで、大きな牛を解体するかのような、クルマの解体(正直『ある精肉店のはなし』と将来、二本立てで見たい、と一瞬思った)や、工場で栄える町の様子を横に見ながら、古いクルマで向かう病院への道。いずれもは、セリフはないし、狭義での感情描写はないけれども、淡々と「こなす」「生活する」ことに物語がある。そして、その「作業」は、日常、行っている人間そのものほど、リアルにナチュラルにこなすだろうと思う。生活者本人を演技者として依頼した意味はここにあったのか、となるほどと感じ入る。
 この映画は、自分たちとは異国の地の家族の物語だが、驚くのは、誰が何を説明しているのでもないが、その心情の想像が難くない、ということ。この監督の、その世界の観客に対しての信頼度は相当なものなんじゃないか、とも思う。
 映画の成立として、巧妙と思えるのは、前述通り、明らかなる「事件」をちゃんと盛り込んでいることで、それによって、観客にはよりどころがある。
 気になったのは、ことが収まりかけるや否や、時間の進行があっという間に早くなっていくこと。それまで、じっくり収められていた仕草や行程が、次々と省略されていく。それは、それまでに収録した状況に戻ったことを意味するだろうか。そして、以前の状況に戻ったことを知らせるキーワードをもって映画が終わる。
 誰の人生も物語になりうる、という考えは、「作業」というものが多い人生においては、セリフの助けを必要とせず、成立するだろうな、と思った。

 パンフレット。監督のインタビュー。評論は、大場正明氏、監督来日時のシンポジウムのトーク採録、元在ボスニア・ヘルツェゴヴィナ日本大使館専門調査員の片柳真理さん。そして最後にコメントが、天童荒太、砂田麻美、伊藤隼也、アグネス・チャン、大宅映子、中嶋朋子、森達也各氏より。

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2014年1月11日 (土)

自分だったら、邦題は『ローレは泣かない』か。 そして、マックス・リヒターについても少し。 『さよなら、アドルフ』

『さよなら、アドルフ』於シネスイッチ銀座

 『はじまりのみち』『誓いの休暇』そして『少女は自転車にのって』をそれぞれ思い出した。
 まず、この映画は、いわばロードムービーである。が、ロードムービーの定義のひとつであろう「旅の途中で、さまざまな人の情にふれる」というお約束があるが、この作品には、それはない。なので、ロードムービーといっても、まるで、祖母の家が、外部へのハッチのある場所、とみたてての「ポセイドン・アドベンチャー」にすら、見立ててもいいかもしれない。
そう、おそらく邦題からは予想しない、シンプルなプロットの映画である。物語冒頭に、目的地を知らされるが、はじめ、その目的地までの道中のみのドラマとは思わないナチュラルな、濃密なドラマ性がある。
冒頭と、終盤に、そうではないシーンも少しだけあるが、この映画は、ほぼすべてが、ヒロインの少女、ローレと時間を共にする。なので、今、自分たちは、どういう状況下にあるのか、ということも、大人たちの数少ない会話や行動の中から推測するしかないし、推測はすれども、あまりにもの状況の変容振りに、あきらかに自分の許容範囲を超えた事態であることの混乱は収められない。
 徹底的に少女の視点であることは、監督が女性であることで、微細な心理描写まで描くことを可能にしていると思う。あまりにもの過酷な状況下でありながら、この物語は「日常の物語」なのであり、少女自身の半径何メートル範囲の、細かい時間推移での出来事を克明に写していく。
 全編、手持ちカメラでの撮影と、あまりにも多いカット割りは、ちょっと見る側にきついけれども、少女の動揺ぶりの反映ととれば、納得できる。

 ところで、邦題は、この物語を全くあらわさないと思う。少女の中では、両親の存在であり、ましてや、動揺の中で、終わりまで、何が起きているのか、はやはり確定できずに生きている。ラストの行為が、それを示す、という見方があるかもしれないが、あの行為は、そうではなくて、それまでずっと泣かずにいた自分の「泣く」行為の代替であって、ある意味「大人になる覚悟」ということなのだと解釈する。
 すると、思うに、邦題は『ローレは泣かない』か、道中中、長女であるがゆえに、すべてを犠牲にしなければいけない感覚が、この物語のかなめでもあると思え『長女ローレ』か『ローレと弟たち』か『ローレの旅』あたりかと思える。なんといっても、口にするのをためらわれる固有名詞を、原題にないにもかかわらず持ってくる、というのが理解しがたい。

 音楽のマックス・リヒターは『少女は自転車にのって』も担当した。が、その作品もだが、テーマ曲らしきものを流す冒頭、ラスト以外は、可能な限り、劇伴はすごく小さくか、瞬間的にしか流していない。ただし、テーマ的に流れるスコアは、とても美しい。リヒターが担当した、この2作は、偶然ながら、ともに原題はヒロインの名前のみなのに、邦題に、その名前がなぜか残っていない。
 今回の作品は、リヒターのスコアよりも、登場人物たちが口ずさむ歌がキーになっている。その歌こそが、過去の状況を推測させる、というアイデアも、女性監督ならではの発想のように思える。
 もうひとつ、リヒターは『サラの鍵』も担当している、というこの流れも、意味を含んでいるように思えてくる。

 パンフレット。まず、東京大学大学院人文社会系研究科の姫岡とし子さんによる、当時の状況無説明。キャスト、スタッフは、いずれも、日本での紹介作少ない中、作品を見る手助けになるレベルの情報をしっかり掲載。マックス・リヒターについても丁寧。次に、監督自身が、詳細なリサーチの様子などを含め、解説しているが、これは必読。そして、ドイツ文学者の松永美穂さんが、映画中の描写から、ドイツ史と照らし合わせて解読。映画ライターの高橋諭治氏は少ないフィルモグラフィから監督論を試みる。
 映画は、説明を全く排除しつつ、時代のキーワード、重要なメッセージを刷り込んでいるため、パンフは、かなり鑑賞の手引きになる作品と思う。

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2014年1月 5日 (日)

「物語」をあらかじめ持ったドキュメンタリー、そしてパンフレットも素晴らしすぎる『楽隊のうさぎ』

『楽隊のうさぎ』於・ユーロスペース

 すごいのは、そのほとんどが吹奏楽練習シーンにおける生徒たちおよび担当教師とのやりとり、というか空間のみで進行する物語。舞台化可能なぐらいに、コンパクトにまとめられている。
 そして、もう、自分の中学生の頃のことははっきりとは思い出せないが(というか、その頃は、ひたすら授業時以外は本を読んでいて、他の生徒と話すことはほとんどなかったから、もし、話していたら、という空想になるかもしれない)、一見、一生懸命セリフ話してます的雰囲気や、対するときのこわばった表情、というのはリアルなような気がするのだ。(作られすぎたドラマでの表情豊かな子供たちの方がファンタジーに思える)
 主人公の立場にいる少年は、主人公にさせられてはいるものの、どうすればよいかがわからない感じがスリリング。学校の放課後の風景を切り取る、という、一見よく似たシチュエーションだと、少し年上のドラマの「桐島」を思い出すけれども、「桐島」のように、校内の範囲で舞台がアクロバティックに変化するわけではないので、音響も計算しまくる、というよりは、自然に、彼らが出している音を「演技」「表現」として味わってほしい、その感じが出ている。
 劇中、教師のオリジナル、ということで披露される曲は磯田健一郎のものだが、純粋な意味でのオリジナル劇伴はおそらく、この作品にはない。ラスト、劇中にはでてこない唯一の「スコア」がエンドロールで流れるが、これが「フルート」がリードをとる曲なところが、物語の重要な展開と重なって泣かせる。
 そして、ほとんどが、地元の、演技未経験っ子によってキャストが構成されている、ということからは、「物語」をもったドキュメンタリー、と見ることもできるのだろう。

 パンフレット。プロデューサーのことば、監督のことば、原作者の寄稿、評論は、佐藤忠男先生の、過去の音楽邦画を例に出しての応援論、須川展也、エリック宮城両氏ほか、吹奏楽界の諸先輩のことば、キャストはプロの役者のプロフィール、生徒たちはひとりひとり、おそらく「映画を見るお客さんにひとこと書いてください」的なアンケートの回答がずらり。コラムはオリジナル曲について、中沢けい氏、越川P、音楽の磯田氏による鼎談、そして磯田さん本人による音楽解説、そして寺脇研、中西愛子両氏の評論、最後はなんと上映劇場の代表諸氏からのことばまである。まさしく「みんなが手作りで作った、本当の」「ご当地」「商業映画」であることがひしひし伝わる。ものすごく丁寧なパンフ。インディーズ映画、ご当地映画は、パンフ製作の際は、手本にしてほしい理想系すぎる一冊。

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2014年1月 2日 (木)

原題「LA MIGLIORE OFFERTA」に作品全体の哀しいメッセージを思う『鑑定士と顔のない依頼人』

『鑑定士と顔のない依頼人』
於・新宿武蔵野館

 トルナトーレのミステリー・タイプの物語といえば、邦題『題名のない子守唄』を思い出す。あの作品は、最後まで、観る側が主人公に対して多層な客観性を維持することができることで、その作品特有の感覚が味わえ、結果、決して爽快ではないけれども、なんとも知れない心持を味わうことができた。
 が、今回は違って、描かれる主人公の心情が、かなり整理されている。また、運命にもてあそばれる、といった長期の物語でないため、物語をより、ミステリー的性格に焦点を狭めて観ることになる。
 が、この物語をミステリーで終わらせてよいかといえば、そうではなくて、本来は、ここで描かれている主人公の心情は、客観的に見た際に議論を生み、議論を進めることで、未見の人に新たな鑑賞の興味を呼ばせる構造であると思うのだ。だが、作り手は、そういった主人公を用意しながらも、物語を多重にみせることを封印している。
 モリコーネの音楽は、ヴォカリーズ(ヴォーカリスト5人の中にエッダの名前も確認)や、ストリングスもシンプルにすることで、不協和音と美しさの中庸をギリギリゆく、私にしか無理だろうサウンドを展開していて、さすが。
 見せ方というか、全体のバランスとして、感じられたのが「中盤あたりから、映画が進展しない」感覚。舞台は限定されていき、整理されていくことで、それまで主人公を警戒して距離をとって接していただろう観客の立場が、近くなるか、ぐっと遠くなるか、どちらかに急に乖離してしまう。が、その状態から、長く時間が続く感覚がする。
 ちなみに、鑑賞中に、いろいろ細かい突っ込みはしたくなるが、それは全貌で解決する。が逆に、解決するということは、事象がはっきりしている、ということ。そのぐらいの作りでは、本来、ドラマは成立しないだろうから、この物語が成立すること自体がファンタジーである、と思ってしまうのだが。

 パンフ。監督インタビュー、映画評論家のきさらぎ尚氏による作品解説、ジェフリー・ラッシュのインタビュー、ジム・スタージェス、シルヴィア・ホークスも短くあり。美術ジャーナリストの小川敦生氏の鑑定士とコレクターの解説、モリコーネのインタビュー。他スタッフも、プロフィールのフォローあり。そして、映画評論家・河原晶子氏のこちらも作品解説(個人的感想・この河原さんの解説は、おそらく、このぐらいは知っていた方が、映画を面白く見られるだろうと思う)。ラストに、謎解きのようなページがあり、親切、と思う反面、断言していいのか、という疑問も。

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