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2014年1月26日 (日)

色と音の洪水。そして、幼い子供が鍵となる最酷なバイオレンス『オンリー・ゴッド』

『オンリー・ゴッド』
於・新宿バルト9

  色と音の洪水の映画だ。そして、多くのバイオレンス映画とおそらく異なるところは、幼い子供の使い方であり、ドンデン返しではないけれど、ラストは多くの作品とは異なる独自のメッセージを発する。
  全編を覆う、まるでクラブの中で全物語が展開しているかのような轟音のトランス的スコアがまず斬新。多くの無スコア物語と完全対照となる、実験のようでもある。轟音といえばSE的なもので『イレイザーヘッド』を思い出すが、あの「ノイズ」であることに自覚的な音と『オンリー・ゴッド』の音響効果は違う。そして、この映画の不気味な音楽のもうひとつが、おっさんが歌うカラオケだ。サントラでマルチネスのトランス以外に、現地のポップスらしきものが入っているな、とは思っていたが、こういうことだとはまさか思っていなかった。
  そして『ドライブ』の延長線上的に印象深かったのが、きっかけとしての「ドライブ・テクニック」からの「ファイト」。ファイトは、一見、この映画のキーワードと思いきや、それはきっかけのひとつに過ぎず、全体を覆うのは、寡黙な中でのバイオレンス全体である。
  タイというロケーションの印象はなんだろう。主人公たちと愛を交わすことはないが、多くの美しい女性たちが登場する。もちろん、アジアン・ビューティ的な美しさだが、ここも、この映画が東南アジアの都会が舞台である意味の一つではあろうと思う。背景としては、エロティックな筋立てもあるが、物語の表面に出ることはない。
  主人公たちが動く動機は複雑なものではないが、それを示すセリフは、極端に少ない。それによって、シンプルなバイオレンスながら、観客の声で「全然、筋がわからない」というのも聞こえてきた。
  カンヌなどで賞をとっていないのは、基本的に『ドライブ』の世界観の延長線上だからだろうと思う。

  レフンの「これで一旦、出し切った」感はわからなくもない。そして、これは、大手映画会社資本では作れない映画だろう、ということもよくわかる。

  パンフレットはシンプル。柳下毅一郎氏の作品論、監督インタビューはあるが、さほど突っ込まない。プロフィールは、キャストは3人のみ。スタッフは撮影・音楽・プロダクションデザインにまでは及ぶが、レフンがポイントと言及している編集スタッフは紹介なし。インタビューは、映画の「作り」に関して触れることはなく、撮影、照明、そして音楽といった点でのこだわりを聴くことはない。

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